Las plagas de Breslavia


Las plagas de Breslavia (2018) - Filmaffinity

Para las “joyitas” a las que nos tiene acostumbrados Netflix, lo cierto es que esta se salva de la media aunque como diría Sick Boy: “está bien pero tampoco está de puta madre!.

En la ciudad polaca de Breslavia comienzan a suceder una serie de horrendos crímenes siempre a las seis de la tarde asociados con una costumbre del siglo XVIII de ajusticiar a a los ciudadanos más corruptos, depravados, ladrones, etc para dar ejemplo y así “limpiar” la sociedad y empezar una nueva época de esplendor.

Teniendo en cuenta que que es una película cuyo argumento bebe directamente de la ya clásica Seven, no puede negarse que presenta ciertos toques singularizantes y divergentes como son un personaje principal protagonista femenino tremendamente carismático; un toque gore explícito que la hace no muy apta para estómagos sensibles y un ritmo “in crescendo” que no decae en ningún momento.

Presenta una serie de puntos débiles en el guión que ponen en peligro el conjunto de la película. Una serie de cabriolas argumentales metidas casi a la fuerza para dar pie a las puntos de giro principales y que sólo se le habrían ocurrido a los guionistas más vag@s, no obstante, el resultado global es bastante bueno siempre y cuando no te pares a analizar mucho el guión.

Muy recomendable para pasar un rato entretenido con una historia que podría decirse que es una “seven a la eslava”, directa a vena.

Children of men V. La religión


 

 

La religión también es un tema a tratar en la película. El título viene de la traducción del Salmo 90- 3 del Antiguo Testamento que viene a decir algo parecido a: “Conduces al hombre a la destrucción y dices: «Volved, hijos de los hombres»”. Se expone que un Dios capaz de dar y quitar una cualidad como la de engendrar descendencia es inexistente, con lo que se desencadenan todos los problemas que se observan en la película y en los suicidios en masa porque que las personas no temen ser juzgadas. ya que si no existe Dios, no le debemos cuentas a nadie.

La relación de Theo-Kee-niña con la sagrada familia del cristianismo es evidente, siendo Theo quien se encargue de velar por su seguridad para que la esperanza vuelva a los hombres  como José, el cuál  es alertado por un ángel de la amenaza que acecha con Herodes y a quien se le encomienda que ponga a salvo a María y su hijo.  Aunque Kee no es una virgen bromea con Theo cuando le contesta sobre quién es el padre.  Theo significa Dios en griego y las palabras “Shantih, shantih, shantih” proviene de un libro sagrado hinduísta y significa “La Paz que sobrepasa todo entendimiento” también es el último verso de un poema de T.S. Eliot llamado “the Wasteland” que trata sobre la infertilidad en el mundo posterior a la guerra.

 

 

Children of men. IV. Música y arte


La música resulta casi como un personaje más de la película guiando al espectador y dando pistas sobre lo que va a suceder, es una lástima que esto no lo podamos percibir los que no somos angloparlantes ya que no podemos entender lo que dicen las letras de las canciones en el momento en el que suenan para entender su significado en la película.

“Hush” de Deep Purple que suena antes de la primera aparición de Julian dice: “Hush, hush I thought I heard her calling my name now Hush, hush She broke my heart but I love her just the same now Hush, hush. Thought I heard her calling my name now hush, hush I need her loving and I’m not to blame now”; Ruby Tuesday versionada por Franco Battiato para la esposa de Jasper (Michael Caine) “There’s no time to lose, I heard her say. Catch your dreams before they slip away. Dying all the time. Lose your dreams. And you will lose your mind. Ain’t life unkind? Goodbye, Ruby Tuesday.“.

“Kindertotenlieder” de Gustav Mähler, que traduce” Canción a los niños muertos” cuando Jasper cuenta la historia de Dylan, el hijo de Theo y Julian que murió por un brote de gripe; la carismática “The Court of the Crimson King”  para el aristócratico adalid de la cultura interpretado por Danny Huston; en el campo de refugiados se puede escuchar la canción “Arbeit Macht Frei” de The Libertines, es la frase que se encontraba escrita en la entrada de Auschwitz, el más grande de los campos de exterminio nazi y significa “El trabajo os libera” y al final de la película se escucha  “Bring on the Lucie”, de John Lennon, que podemos relacionar con el problema de la inmigración: “We don’t care what flag you’re waving.We don’t even want to know your name. We don’t care where you’re from or where you’re going. All we know is that you came. (…) Free the people now.”

Aparecen muchos cuadros, murales y grafitis simbólicos a lo largo de toda la película:

El David  de Miguel Ángel aparece también con la pierna izquierda destrozada, una especie de metáfora de Theo como un hombre ordinario que está a punto de convertirse en un héroe extraordinario gracias a su determinación y también como una especie de autorretrato del protagonista  ya que el parecido físico con Theo es evidente, complexión atlética y gran altura, pelo rizo,  mirada desafiante y Theo también acaba con la pierna izquierda maltrecha.

El Guernika, cuadro pintado por Picasso en 1937 para denunciar el atroz ataque de la aviación alemana sobre el pueblo homónimo con el único fin de probar el armamento y ensayar ese tipo de maniobras sobre la población civil en futuras contiendas. determinan el extremado carácter trágico de la escena, que se iba a convertir en el emblema de los desgarradores conflictos de la sociedad de nuestros días.

Retrato de una mujer en llamas


Retrato de una mujer en llamas»: ¿En qué cielo ardió el fuego de ...

Interesante película francesa sobre todo por su planteamiento y su desarrollo pero con un ritmo tal vez demasiado pausado para atraer la atención de la audiencia. Una magnífica historia de amor que trasciende el tiempo y el espacio adelantándose al romanticismo en la Francia del finales del siglo XVIII.
Es una película con trampa porque el principio se nos presenta con un ritmo excesivamente lento tanto la historia como los personajes de forma que nos puede hacer perder la concentración. Esto unido a una gran cantidad, casi un abuso de planos estáticos que recrean de alguna forma la profesión de una de las protagonistas, pintora y retratista hacen que pierdas interés e incluso quieres abandonar su visionado.

En ese mismo momento la historia se desata mostrándose en todo su esplendor y atrapándote hasta el punto que te alegras de no haber dejado de verla. Detalles como el propio retrato que da nombre a la película el tercer movimiento del verano de Vivaldi junto con la historia de Orfeo y Eurídice resultan sumamente importantes y son utilizados con gran inteligencia en la trama aunque el hecho de haber perdido interés al principio de la película puede hacer que te los pierdas así como su importancia en la trama.
Destaca sobre todo la hermosa fotografía y el final que es muy bueno. una película llena de sutilezas que te obligan a pensar y a hacer un esfuerzo si quieres disfrutar de ella y que requiere un segundo o incluso un tercer visionado para l@s más valientes.
El mensaje que nos deja, parafraseando al fénix de los ingenios es sencillo: “Esto es amor, quien lo probó, lo sabe”

Christine (2016) X. Escena cierre y conclusión


La película no acaba con la muerte de Christine como cabría esperar si no que continúa con la escena de cierre en la que tras ver como los principales canales nacionales daban la noticia reduciéndola prácticamente al titular final, vemos cómo Jean, el personaje que más amistad y cercanía tenía con Christine fuera de su entorno familiar, prepara un discurso para el funeral haciendo una pequeña biografía y buscando unas imágenes de archivo de Christine en la que volvemos a verla como al principio de la película encuadrada en la pantalla, en color sepia, como un recuerdo, entrevistando y haciendo los reportajes que a ella le gustaban rindiéndole así homenaje.

Luego vemos a Jean llegar a su casa y comer helado mientras escucha y canta la cancion de Mary Tyler Show “love is all around” para combatir la enorme tristeza que siente  y se escucha al presidente Ford hablar sobre porqué concede el perdón presidencial a Nixon en la tele, (esto fue ya en septiembre) alegando que el hecho de haber dimitido ya es castigo suficiente y que el país tiene que enfrentarse a otros problemas, es decir es como si el mensaje final de la historta fuera: no hagais leña del árbol caído, no reduzcais su vida a su último acto, intentad ser objetiv@s y tratad de conocer el “Cómo” para llegar a intentar entender sin justificar el “por qué”, la vida sigue.

Christine (2016). IX. Otros elementos


El espectáculo de marionetas:

Basándose en el hecho de que la auténtica Christine Chubbuck realizaba labores de voluntariado para niños con diversidad funcional en el Hospital memorial de Sarasota, en el guión se nos presentan tres representaciones que pueden cumplir dos misiones: la servir de interludios marcando las diferentes partes del argumento así como la de servir como una puerta al interior del personaje, es decir, durante estas representaciones el personaje se muestra tal y cómo es y lo que que nos muestra es indicativo de su estado y evolución siendo la segunda de las represantaciones la más significatva  ya que en ella expone la filosofía perseverante del personaje, ese sigue, sigue, sigue que al final lo conseguirás( y que de alguna manera se refleja en la última canción de la película), sigue invirtiendo tiempo y esfuerzo en hacerlo todo lo mejor que puedas para así intentar burlar ese dolor que siente, esa sensación de fracaso que la estresa tanto.

El Watergate

El escándalo Watergate está presente a lo largo de toda la película, como una especie hilo conductor indirecto y de reflejo del tipo de periodismo serio y objetivo cuyo mensaje, basado en la verdad  puede llegar a la gente y marcar la diferencia que pretendía realizar Christine.

En el 74, el escándalo estaba dando sus últimos coletazos y tuvo como consecuencia la dimisión de Nixon el 9 de agosto para evitar la humillación de ser destituído. Se trató de uno de los mayores escándalos políticos de la historia de los E.E.U.U en el que que  esbirros del presidente fueron sorprendidos literalmente con el carrito de los helados mientras robaban documentos del partido demócrata en el complejo Watergate dos años antes( todos sabemos que fue Forrest Gump el que dio la alerta, es broma) y que fue gracias a dos jóvenes periodistas del Washington Post, Bob Woodward, que cita Jane en un momento de la película, y Carl Bernstein empezaron a investigar el suceso evitando que cayera en el olvido. A pesar de todos los esfuerzos de Nixon y toda su camarilla, el asunto acabó explotando tras el juicio de los ladrones y toda la prensa y la opinión pública se le echaron a la chepa a Nixon  que ante las pruebas cada vez más evidentes no tuvo más remedio que dimitir. Su sucesor Gerald Ford, le concedió el indulto presidencial un mes después alegando que ya había tenido suficiente castigo con la dimisión.

Siguiente entrada del análisis subjetivo: Escena Cierre

La Trinchera infinita. Opinión subjetiva


Resultado de imagen de la trinchera infinita

La filmografía sobre la guerra civil española es extensa y abarca todas las fases y situaciones del conflicto, desde las primeras etapas tanto en el frente como en política véase: Dragon Rapide; La Conspiración; La genial La vaquilla; Libertarias; Tierra y libertad o la reciente Mientras dure la guerra así como las películas “de retaguardia” en las que se nos muestra la otra cara de la guerra como La hora de los valientes; Las bicicletas son para el verano; Pa negre; A lingua das volvoretas; O lápis do carpinteiro; Los girasoles ciegos o la brillantísima La voz dormida en la que se nos muestran las atrocidades cometidas durante la guerra en la retaguardia, el miedo y la represión posterior.

En pocas se había tratado el tema de los “topos”, con la excepción de “los girasoles ciegos” y “La vaquilla”, personas que por su ideología política se vieron obligadas a ocultarse en sus casas durante la guerra y tras esta por miedo a ser asesinados. En la trinchera infinita se nos presenta la historia de una de estas personas, Higinio, un concejal de izquierdas de un pueblo cercano a Granada, que tras huír de un camión en el que lo llevaban al “paseo” debido a la delación de un vecino se oculta en su casa con la ayuda de su mujer Rosa y de su padre y permanece allí encerrado los siguientes treinta años ya que “su guerra” no acaba en abril del 39 ni en mayo del 45 si no que lo hace en marzo del 69 cuando se otrogó la amnistía por crímenes de guerra, de ahí el título.

Las interpretaciones de Antonio de la Torre y Belén Cuesta resultan inmejorables de forma que junto a la fotografía, siempre oscura,; la ambientación y el maquillaje y esa sucesión de momentos en la vida del personaje que vemos a través de su punto de vista hacen que las dos horas y media que dura la película se conviertan, o den la sensación de ser esos treinta años de encierro dejando una sensación palpable en l@s espectadores de lo que debió ser la vida de estas personas.

Película muy recomendable para disfrutar de calidad técnica y artística que junto con la Voz Dormida resultan, de las más recientes, imprescindibles para conocer la represión de posguerra y el tema de los “topos”.

To Walk invisible. 2016


Resultado de imagen de to walk invisible
“When its dark enough, you can see the stars”. Charles A. Beard (1874-1948)

El título significa algo así como “pasar desapercibido”, andar con cautela, una alusión al rol reservado a aquellas mujeres que pretendían ser escritoras en la época victoriana y que tan bien conocieron en sus carnes las hermanas.

Se trata de una miniserie hecha para televisión escrita y dirigida brillantemente por  Sally Wainwright que explora los puntos más importantes de la vida de los hermanos Brontë centrándose más extensamente en el período de 1845 a 1848, en el pueblo de Haworth, cuya esperanza de vida no llegaba  a los 26 años y el 40 % de los niños que nacían no llegaban a la edad adulta, desde que deciden escribir un libro de poemas conjunto hasta la muerte de Emily, Anne y Branwell mostrando una imagen que juega entre la leyenda romántica que envuelve la vida de las hermanas y que alimentó Elizabeth Gaskell, con su biografía ”oficial“ de Charlotte, así como la propia Charlotte que escribió unas breves biografías de sus hermanas en ediciones posteriores de Cumbres Borrascosas y Agnes Grey, criadas en un paraje inhóspito con un padre medio loco y cuya única evasión eran los libros así como una visión más realista de los hechos mostrando una sucesión de momentos en sus vidas que se muestran tal y como debieron suceder como:

Los juegos infantiles de los hermanos con los soldados de madera de Branwell; la creación de Angria y Gondal, reinos imaginarios situados en África y una isla del Pacífico entre 1826 y 1831 representando su genio creativo y su talento con una llama ardiente y brillante sobre sus cabezas.

El abandono de Branwell de la Royal Academy de Londres  regresando a casa 15 días después sin haberse atrevido siquiera a entrar. Diciendo a su familia que le habían robado el dinero pero en realidad se lo había gastado en 1835.

El despido de Branwell de su trabajo en el ferrocarril por discrepancias en el libro de contabilidad en 1842

1843 Anne le consigue a Branwell trabajo como tutor del hijo mayor de los Robinson dónde trabajaba como institutriz

1845 Branwell tuvo una relación con Lydia Robinson, 17 años mayor que él (quizá esta historia inspirase la canción de Simon & Garfunkel y el Graduado

Marzo de 1845 Charlotte empieza a escribir Jane Eyre

Julio de 1845, Branwell es despedido tras descubrirse su relación con la señora Robinson y poco después Anne renuncia y vuelve a casa.

Otoño de 1845, Charlotte encuentra por casualidad unos poemas de Emily y propone a sus hermanas la publicación e un libro de poemas conjunto que les costaría a las hermanas 31 libras y 10 chelines en la editorial  Nylon & Jones, una suma considerable teniendo en cuenta que el sueldo de una institutriz estaba entre las 50 y 100 libras anuales, con mucha suerte mientras que el sueldo de un maestro por el mismo trabajo oscilaba entre las 200 y 400 libras.

Con la publicación de sus novelas las hermanas pretendian obtener un medio para mantenerse dignamente sin tener que entregarse a un  matrimonio por interés al no poder abrir una escuela en la propia rectoría de Haworth con el dinero que habían ganado trabajando como institutrices y con la herencia de la tía Branwell, la hermana de su madre que vivía con ellos desde su infancia.

Excluyeron a Branwell para mantener el secreto ya que aunque su hermano también poseía un gran talento literario, le habían llegado a publicar un soneto titulado “On peaceful death and painfull life”, desde que había sido despedido de la casa de los Robinson y que tras la muerte del señor Robinson en mayo de 1846, ya que se trataba de un hombre viejo y enfermo tenía la esperanza de casarse con la señora Robinson pero esta lo rechazó ya que no estaba dispuesta a desposarse con un hombre pobre por lo que su afición por el alcohol y el consumo de Opio aumentaron hasta el punto de llegar a sufrir “delirium tremmens” y las hermanas sabían que tarde o temprano Branwell acabaría por decirlo públicamente en alguna de sus numerosas borracheras.

Tampoco le dijeron nada de su posterior éxito para evitar que se sintiera aún más desgraciado. Esto se muestra en la película cuando las tres hermanas de niñas, se sientan a la mesa en la que desarrollaban sus historias mientras sus llamas lucen con fuerza sobre sus cabezas y el niño Branwell, cuya llama se ha apagado deja su soldado de madera y se retira.

En marzo de 1846 Branwell descubre el secreto de sus hermanas cuando “por error” abre una carta del editor de las hermanas dirigida al señor  C.Brontë, por lo que Charlotte pidió que se las enviasen a su verdadero nombre en calidad de representante

Los pseudónimos

Currer, Ellis y Acton Bell fueron los pseudónimos que eligieron las hermanas Brontë para publicar su obra conjunta de poemas y así conservar su anonimato. Eran nombres ambiguos que no denotaban directamente pertenecer a hombres y cuyas iniciales coincidían con los nombres de pila de las tres hermanas. El apellido Bell fue tomado del coadjutor de Patrick Brontë, Arthur Bell, que había comenzado trabajar como ayudante de su padre en 1845 y que acabaría casándose con Charlotte.

El hecho de publicar con pseudónimos masculinos se debía a que las hermanas pretendían seguir adelante con sus vidas sin ser tachadas de “indecentes” por la sociedad, y para que los críticos no se ensañasen con ellas siendo juzgadas sólo como mujeres y no como autoras.

En marzo de 1846 Branwell descubre el secreto de sus hermanas cuando “por error” abre una carta del editor de las hermanas dirigida al señor  C.Brontë, por lo que Charlotte pidió que se las enviasen a su verdadero nombre en calidad de representante

En verano de 1846 operan de cataratas a Patrick Brontë en Manchester.

En diciembre de 1846 agentes judiciales reclaman una deuda de Branwell que pagan las hermanas para evitar el escándalo de que se lo lleven esposado.

El editor Thomas Newy acepta publicar Cumbres Borrascosas y Agnes Grey mientras que el profesor seguía pasando de editor en editor sin éxito. La editorial Smith Elder & Co le contesta a Charlotte que rechazan la publicación del profesor por motivos económicos ya que se trataba de una obra demasiado breve pero la invitan a que si posee otro manuscrito más extenso podrían publicarlo, entonces les envía Jane Eyre

En 1847 se publica Jane Eyre, su éxito hizo que el editor Smith Elder &Co quisiera publicar “Cumbres Borrascosas” y “Agnes Grey” de forma que el resultado fue una descuidada publicación de tres volúmenes, los dos primeros de cumbres y el tercero de agnes en las que no se incluyeron las correcciones de las pruebas que las autoras habían hecho por lo que estaban plagadas de errores de ortografía y puntuación y cuando Charlotte y Anne se presentaron en la editorial Smith Elder & Co para aclarar el hecho de que ellas eran en realidad Currer y Acton Bell y de que no había vendido su siguiente novela a un editor americano como proclamaba el señor Thomas Newy insinuando que los Bell eran difernetes nombres de un mismo autor.

La producción se filmó principalmente en Yorkshire y Haworth, el pueblo natal de las hermanas aunque los interiores no fueron rodados en la rectoría real si no en unos decorados construídos al efecto a los que se agregó otros edificios y una calle para hacer un pequeño conjunto de cómo era Haworth en la época. Aunque escenas exteriores se filmaron en la rectoría y calles auténticas.

Tanto las interpretaciones, elección de casting, como el maquillaje, vestuario y fotografía resultan prácticamente perfectos mostrando los aspectos principales de las personalidades de los cuatro hermanos así como los sucesos que influyeron en sus vidas.

El ritmo puede resultar un tanto tedioso pero lo compensa con todo lo anterior por lo que su visionado resulta muy gratificante.

Resultado de imagen de to walk invisible
Charlie Murphy (Anne), Chloe Pirrie (Emily) y Finn Atkins(Charlotte)
Resultado de imagen de retrato hermanas bronte por patrick bronte
Retrato de las hermanas Brontë ( Anne, Emily y Charlotte) pintado por Branwell, cuya silueta aparece borrada en el centro, alrededor de 1835

Si te gusta el cine y la literatura o si tienes curiosidad por conocer más sobre los hermanos Brontë resulta muy recomendable.

Otras reseñas interesantes:

https://lacasavictoriana.com/tag/to-walk-invisible/

https://eyrelibrary.wordpress.com/2017/01/05/hablemos-de-to-walk-invisible/

Christine (2016). VIII. Otros elementos


La luz

La luz también resulta un elemento importante a lo largo de la historia porque nos va indicando la evolución del personaje hasta perderse en su propia oscuridad. Durante la primera parte de la película, la historia transcurre casi siempre a la luz del día, en lugares abiertos o en caso de estar dentro del estudio todo parece bastante iluminado y claro.

Es a partir del detonante cuando la luz natural empieza a decaer apareciendo raramente y la historia empieza a transcurrir de noche o en lugares interiores volviéndose cada vez más cerrado, oscuro y claustrofóbico como la sala de montaje; la de control en el estudio; la casa de Christine; el restaurante; el gimnasio del instituto de George o la casa de Bob Nelson.

Sólo al final, cuando le llegue la última oportunidad con la cena con George, una Christine visiblemente desmejorada y con gafas de Sol es bañada por el Sol al aire libre por última vez en la historia. En el segundo punto de giro del guión y Christine haya tomado su decisión la luz vuelve a aparecer con fuerza y el interior del estudio deja de ser tan oscuro y frío.

Esto también se observa en los colores de la ropa que usa Christine que al principio son más alegres y llamativos para ir apagándose hasta ser sólo marrones y negro.

Escena con la pareja de enamorados.

Después de consultar al ginecólogo va a comer con su madre como suele hacer pero ésta la deja plantada y tras llevar bastante tiempo esperando decide marcharse pero  no puede evitar acercarse a una pareja que se encuentra en una mesa cercana e interrumpirlos diciendo que es una reportera del Canal 40 y que siempre está buscando historias humanas para su programa. ¿qué interés puede haber en una pareja celebrando su aniversario?

En un acto impulsivo, Christine se sitúa en el medio de la pareja  un poco hacia un lado como si estuviera desplazada y luego al despedirse después de reconocer que los está molestando les dice  como si se lo estuviera diciendo a una Christine con pareja:“ No perdais de vista esto”, para luego irse rápidamente como si estuviera huyendo del lugar, de hecho se va tan rápido que casi parece que fuese a chocar con una de las columnas del restaurante.

Resulta casi una repetición de la escena de apertura  en la que, ésta vez las flores son sustituidas literalmente por Christine, y la silla vacía es sustituida por la pareja que parece ignorarla o al menos no estar cómoda con su presencia con lo que se nos vuelve a mostrar la soledad, la frustración y la fragilidad del personaje pero esta vez en una situación real.

3 películas para hipocondríac@s


Para épocas de cuarentena

Perfect sense:

Resultado de imagen de perfect sense pelicula

La menos conocida de las tres, protagonizada por Ewan McGregor y Eva Green, tal vez sea la peor desde un punto de vista general tanto por su argumento como por su desarrollo haciendo equilibrios entre la ciencia ficción más bizarra, el romanticismo más cursi y la filosofía de andar más por casa, pero en calidad de “paja mental” cinematográfica puede convertirse incluso en un clásico.

Estallido:

Resultado de imagen de estallido

Con un elenco potente y un argumento totalmente noventero y con look de lo más “grunge”( que se lo digan a Patrick Dempsey) nos presenta la expansión de una enfermedad parecida al ébola transmitida por un simpático mono que pondrá a la humanidad( véase los U.S.A) en un brete bastante importante, menos mal que contamos con Dustin Hoffman, un coronel del U.S Army y virólogo que solucionará la papeleta derrochando carisma.

Contagio:

Resultado de imagen de contagio

Tal vez la más realista y fiel a lo que se supone pasaría ante un brote infeccioso serio a nivel mundial, es sin duda la mejor tanto por el elenco como por argumento, fotografía, personajes, etc. Kate Winselt y Brian Cranston lo petan con sus personajes.