Más una versión que una adaptación de la novela, las dos anteriores adaptaciones de la novela de Remarque resultaban más fieles a la misma pero estaban lastradas por las limitaciones técnicas. Esta última versión pese a obviar el papel del cabo Himmelstoff y resultar mucho más implícita en cuanto a mostrar los hechos que salen en la novela haciéndolo de forma desordenada o modificada( el «ciclo de la guerra» que empieza con el soldado Heinrich, continúa con Paul recibiendo el uniforme remendado de éste y termina con otro soldado bisoño que recoge las chapas de los muertos con la guerra ya terminada dando la sensación de que aunque la guerra haya acabado, el ciclo no; la “generación de hierro”, los ataúdes preparados para después del ataque, las ratas que se comen el pan de los soldados de los nuevos reemplazos, preferir las palas a las bayonetas, los ataques de terror de las trincheras, la bisoñez, beberse el agua de refrigerar las ametralladoras, parar un ataque para comerse la comida del enemigo, los cadáveres rosados por el gas de los soldados inexpertos que se quitaron las máscaras demasiado pronto o matar a un soldado enemigo en tierra de nadie y a continuación querer curarlo como algunos ejemplos) ofrece un auténtico derroche visual y suma algo que no aparece en las anteriores versiones.
Esa visión panteística de de que aunque las guerras se suceden, la naturaleza siempre prevalece sobre la estupidez humana así como el implacable rodillo de la maquinaria de guerra con esos tres acordes que se repiten continuamente junto a otros hechos que también se repiten para enfatizar el absurdo de la guerra y su inutilidad así como también enfatizar el hecho de que la Primera Guerra Mundial fue un conflicto brutal en el que no sólo se mataba industrialmente a distancia con las ametralladoreas, lanzallamas, tanques y la artillería sino que también se hacía cara a cara con armas medievales como mazos o las propias palas de trinchera.
También incluye el papel de la diplomacia (magnífico Daniel Brühl) y los altos mandos para terminar el conflicto y su incompetencia a la hora de zanjarlo ya que en vez de acordar un alto el fuego inmediato, ambas partes estuvieron varios días perdiendo el tiempo y para más inri, cuando firmaron el armisticio en la madrugada del once de noviembre, éste no entró en vigor hasta las once de la mañana con lo que se siguieron perdiendo vidas hasta casi el último minuto (como fue el caso del estadounidense Henry Gunther que fue el último soldado en morir de la guerra por el disparo de un francotirador alemán demasiado celoso de cumplir con su deber cuando sólo faltaba un minuto para las once de la mañana).
Visualmente tal vez sea la mejor película bélica que haya visto y argumentalmente es la mejor película antibélica que haya visto porque, como digje, refleja todos los puntos importantes y significativos de la novela añadiendo otros como las imágenes de la naturaleza para cambiar las escenas, los tres acordes en descendente que marcan los puntos de giro de la trama y los útimos quince minutos de la peleícula que están narrados en tiempo real.
Aunque sea larga procuren no perdérsela o revisiónenla si tienen la oportunidad.
«Emily, ¿Cómo escribiste Cumbres Borrascosas?». Así es como empieza Emily de Frances McDormand y de hecho es la pregunta que todos aquellos que hemos leído la novela nos gustaría haberle hecho a la autora y esta película es la forma subjetiva y fabulada que la directora y guionista tiene de responderla.
Llevaba tiempo esperando ver esta película, básicamente para ponerla a parir por puro prejuicio y con bastante vehemencia pero, tras verla, no puedo porque sencillamente es muy buena. La forma que tiene la señora McDormand, como ya dije, de juntar las escasas piezas del puzzle que se conocen sobre la vida personal de Emily Brontë para componer un guión que es un guiño continuo a Cumbres Borrascosas tanto explícito como implícito (con esa forma de usar la alteridad del personaje y el paisaje para reflejar los sentimientos de los personajes, el goticismo del ambiente, las numerosas “experiencias reales” que luego salen casi tal cual en el libro como la vista furtiva a la casa de los Linton, el “Let me in”, el “yo soy Heathcliff”) componiendo una suerte de fabulación especulativa en la que se nos presenta una ficción que no siendo “histórica” tampoco resulta “a-histórica” y sin ser realista no puede tacharse de fantástica de forma que juega con inteligencia con ese ¿Y si?…
Aunque bien es cierto que al final del metraje la historia deriva en una auténtica paja mental mezclando fechas, hechos y escenas de folleteo de novela rosa metidas con calzador (que era lo que yo temía desde el principio) pero eso no es suficiente para estropear un conjunto que nos hace aceptar pulpo como animal de compañía y que en suma resulta brillante.
¿Qué nos ofrece Emily? Pues una historia en la que se nos muestra, como si de un universo paralelo se tratase, las supuestas experiencias que vivió Emily Brontë para llegar a escribir Cumbres Borrascosas. Entre ellas un posible romance con el coadjutor William Weightman, del que se supone en la realidad la que sí estuvo enamorada de él fue Anne y ésta lo reflejó como Edward Weston en Agnes Grey. Su relación con Branwell de la que se supone hay que paralelizar con Catherine y Heathcliff con ese grito Punkarra de Freedom in Thought! y sus coqueteos con las drogas y el alcohol así como la disputa con su hermana Charlotte que parecía tener una mezcla de envidia, desprecio y admiración por Emily (en esta historia al menos).
Me recuerda mucho a otros Biopics similares como La joven Jane Austen, Bright Star o Vidas al límite con la salvedad de que las vidas de Jane Austen, John Keats y Rimbaud están mucho mejor documentadas y el material induce menos a la especulación con lo que resulta mucho menos complejo caer en lo grotesco, de ahí el mérito de esta película.
Si se quiere una película que se encamine más hacia el documental, recomiendo To walk invisible o incluso Les Soeurs Brontë.
La ambientación y el vestuario son espléndidos (respetan el gusto por la manga jamonera de Emily que en esa época estaba pasado de moda para una joven como ella). Todo el reparto está soberbio pero Emma Mackey está soberbia interpretando a Emily y es capaz de echarse a la espalda el peso dramático del personaje reflejando una imagen de la escritora de Yorkshire, que salvando las distancias y en el marco concreto de las especulaciones y situaciones de la historia, resulta bastante cercana a cómo debía ser Emily Brontë en lo cotidiano. La banda sonora también es algo destacable siendo un personaje más y marcando el ritmo de la historia.
Un guión insultántemente absurdo y similar al de A 47 metros pero cambiando profundidades por alturas y tiburones por buitres con una estructura radiotelegrafiada desde el minuto uno en la que nos encontramos a una protagonista desconsolada por pérdida de su pareja (en otra temeraria y absurda aventurilla trepando un muro vertical con la infausta intervención de unos pajaricos) que es convencida por su muy mejor amiga yiutuiber Titsforclics/influencer (ya le gustaría ser como Victoria Fedeguica) para, más de un año después del trágico suceso acudir prestas a escalar una ruinosa antena de televisión, próxima a ser demolida, de nada más y nada menos que de seiscientos metracos de altura para recuperar la confianza perdida y esparcir las cenizas del difunto y, aprovechando la coyuntura, grabarlo todo en vídeo y subirlo a su canal para obtener más visitas, más me gusta y más viruta.
El guión nos ofrece un juego de equilibrios en la cuerda floja saltándose todas las medidas de seguridad que el sentido común nos haría tomar enfrentados a tamaña empresa junto con escenas del mundo onírico para llenar huecos que luego se harán necesarios en el devenir de la trama así como una sucesión de miguitas de pan en forma de «trucos» para obtener cargas de batería gratis o camiones que pasan raudos sin respetar la integridad física de personas u objetos que luego serán astutamente utilizadas por las protagonistas así como el papel de las aves en el film que resulta ser algo similar al del fantasma en la literatura gótica o las naranjas en las pinículas del señor Coppola.
No estoy diciendo con esto que los guionistas no hayan hecho bien su trabajo o que éste no esté a la altura de otros géneros cuestionados como los retellings sáficos o la literatura fantástica o de ciencia ficción juvenil (tachada de simplona y estereotipada) de la que la magna y laureada Rebelión Roja es ejemplo a citar, tan sólo pretendo hacer notar mi malestar ante el devenir de la historia, su estructura copiada de otra producción, puntos de giro absurdos, motivación de los personajes algo forzada, conflictos inherentes y final telegrafiado.
La única novedad con respecto a la pinícula de los tiburones es la inclusión de ese sórdido y perturbador multiverso de los yiutibers, que sin querer limitarse a sus canales sobre cómo elaborar magdalenas caseras o arreglar zapatos se lanzan ávidos a realizar arriesgadas actividades para conseguir fama y fortuna. Hecho que aporta cierto sentido al sinsentido general que supone el argumento.
No me gustaría dar a entender con esta suerte de filípica que tengo prejuicios contra el colectivo de yiutiubers/influencers (véase Victoria Fedeguica) de la Generación Z, tema que podría alimentar algún que otro estudio antropológico poco serio, ya que son grandes creadores de contenidos y contribuyen a enriquecer la cultura como es el caso de Carlitos del bailador de México o el gran Uncle Sink pero es que en el guión de esta pinícula parecen estar histrionizados de forma que dan la impresión de mostrar, capciosamente en mi opinión, que todos los jiutiubers/influencers (véase Victoria Fedeguica) son gilipollas profundos algo más que idiotas volubles y cándidos productos de un mercado exigente.
Recomendable si lo que buscas son emociones fuertes (cumple con creces). Pegarás más de un salto en el asiento.
Opel Astra y sí, le cambio el título porque aquí tenemos esa costumbre, aunque realmente se titule Ad Astra, que proviene de la locución latina «Per Aspera Ad Astra»( por el camino áspero a las estrellas), es una película que podría entrar perfectamente en la categoría de pajas mentales del cine, o para l@s más sensibles, interludios bucólico privados del cine, entendiendo por eso: “aquella serie de pensamientos que no lleva a ninguna conclusión y que no es productiva, es decir, imaginarse algo que nada tiene que ver con la realidad y jugar con ello». Realmente, Opel Astra sí que llega a una conclusión, encuadrada en el nihilismo postmoderno, tras dos horas de auténtico sopor, una magnífica fotografía y unas cuantas frases lapidarias tras un segundo visionado y además de alguna que otra cabezada conseguí entender que el mensaje que intenta transmitirnos es que aunque quieras viajar ansiando conocimientos y experiencias no vale la pena abandonar los diez kilómetros cuadrados que rodean tu casa para ser feliz con tus seres queridos porque el hombre es un lobo para el hombre, el caso es que se trata de una de esas películas tan de autor, tan especialitas que o la amas o la odias sin término medio.
«Veamos cuanta gente se fue de la sala ya»
El argumento consiste en que en un futuro no muy lejano, a cien años vista tal vez, una serie de pulsos electromagnéticos están fastidiando la tecnología de telecomunicaciones de la humanidad poniendola en peligro, total que los cerebritos de turno descubren que todo es obra de una antigua mision de exploración y búsqueda de vida extraterrestre enviada a Neptuno treinta años atrás y que se creía perdida. Aquí es donde entra el personaje de Brad, que lleva el peso de la película con solvencia y talento, Roy McBride, al que llaman para que vaya, primero a la Luna, luego a Marte y una vez allí envíe un mensaje a la misión perdida, que estaba comandad por su padre para que lo convenza y deje de tocar los cojones molestar de forma tan irritante con las tormentas electromagnéticas aderezado con, como ya dije una suerte de frases lapidarias al más puro estilo Rambo, que pretenden hacer reflexionar al espectador y conducirlo a una conclusión que puede ser inteligible o no, depende del grado de somnolencia, concentración y cociente intelectual del mismo.
A mi entender, el gran error de la película consiste en que se centra demasiado en las vicisitudes del personaje principal, sus traumas y luchas internas desplazando al resto del elenco que prácticamente queda eliminado, Donald Sutherland aparece testimonialmente pero no con el peso de Michael Caine en Interstellar por ejemplo y Tommy Lee Jones , su personaje, se supone que es malo de la película no tiene el carisma ni el peso de Kurtz por ejemplo.
La mejor parte es el principio, un homenaje a Baumgartner que resulta de lo más espectacular y el paso de los protagonistas por la Luna.
«Hago muchos Test Voigt-Kampf pero no soy un replicante»
Mi conclusión es que no espereis un Gravity o un Interstellar, Opel Astra es una mezcla entre Apocallypse Now, con el rollito del viaje, la voz en of del protagonista explicando sus inquietudes y experiencias el personaje escéptico al que mandan a acabar con el monstruo, el conflicto al descubrir la realidad etc.. y 2001 de Kubrick por lo desconcertante y difícil de su planteamiento. No apta para los no amantes de la ciencia ficción pura y dura directamente a vena. Requiere un segundo visionado y una exhaustiva investigación previa para llegar siquiera a entender lo que plantea. Recomendable hasta cierto punto.
No quiero ponerme en plan cuñao con eso de normalmente los libros suelen estar mejor que las películas que se hacen sobre ellos y en este caso creo que es de recibo reconocer que el tópico se cumple. No pretendo con esto afirmar que la película sea mala o muy mala sino más bien que es una adaptación floja.
No este tipo de cuñao…
Hay películas que en mi opinión cuñada igualan o incluso mejoran las obras en las que se inspian, véase: El silencio de los corderos, Miedo y asco en Las Vegas, El club de la lucha o Largo domingo de noviazgo en las cuáles se respeta la esencia de la historia y los personajes omitiendo datos o hechos «secundarios»· que por motivos de tiempo sólo se pueden apreciar en la novela pero concentrando y recogiendo todo lo importante sumando más que restando a la historia original.
El punto más débil de Bullet Train es que el guión se toma ciertas libertades con respecto a la novela que tienen como fin hacer más comercial la historia a costa de convertirla en un sindiós de tres pares de cojones un sinsentido restándole importancia a dos personajes que resultan clave en la novela a costa de meter explosiones y luchas espectaculares. Suele suceder con las adaptaciones de pinículas japonesas o de otros países a Hollywoodland y la gente que vea la película se quedará satisfecha porque oferta lo que promete. Mucha acción, un reparto solvente encabezado por un Brad que pese a llevárselo muerto sigue demostrando una y otra vez que no es sólo una cara bonita; una dirección que monta la historia para que estés pegado al asiento desde el primer minuto y un final de fuegos artificiosos muy del gusto de los yankees.
Más bien de éste tipo…
Total que la película es bastante potable a pesar de que denosta o transforma a esos dos personajes de la novela que resultan claves, el villano (el auténtico, no el que interpreta el gran Michael Shannon) y el personaje que permite el giro final haciéndote exclamar un: «¡Acho, pijo, hueva!» de forma que la historia en conjunto se cierra y queda redonda. (Cosa que en la pinícula no pasa)
Conclusión: Es una peli que se ve pero si has leído antes el libro se nota mucho la diferencia.
Corolario cuñado y P.D: (Hiroyuki Sanada acojona siempre aunque haga de bueno)
Sin contar el hecho de que la verdadera precuela sería la historia de Jim Hopper y sus boinas verdes, Predator: La presa es una historia que ocurre antes de la original pero que sin embargo tiene mucho que ver con ésta. Para ser sincero no esperaba mucho de esta película por ser de Disney sin embargo he de reconocer mi equivocación al respecto.
La presa nos presenta una historia muy sólida, tanto desde el punto de vista de guión como de la ambientación aunque con un principio algo lento, con unos personajes muy bien definidos( la protagonista con su perro, su tomahawk y su capacidad de rastrear y cazar) y cuyos guiños (aquí aviso de posibles revelaciones de la tramasi se continúa leyendo) a la película original e incluso a la segunda parte si bien en algunos casos resultan literales (“Si sangra podemos matarlo”, la frase “No puede verme”, la pistola del Siglo XVIII que salía en Predator II, los palos afilados en el combate final) no están metidos con calzador como en otras producciones similares además de presentar otros que sólo los más frikis serán capaces de observar.
En cuanto a éstas últimas, las referencias a uno de los personajes más carismáticos de la película original, Billy, son constantes como intentando explicar que la desazón que padecía con respecto a ese “algo” que los estaba acechando era debida a que el popio Billy conocía historias de sus antepasados. Como decía poncho: «Billy , tú sabes algo» miontras éste agarraba mirando al infinito una bolsita de cuero que llevaba colgando al cuello. Bolsita que también presenta la protagonista de La presa.
Otros guiños implícitos son la pintura de los ojos que luce la protagonista, que rastrea bien, el sangrado para el cebo, etc. Lo que nos indica la conexión de Billy con la protagonista de forma que se deduce que éste podría ser su descendiente.
Es la primera historia en la que se nos muestra al Depredador cazando animales como serpientes, lobos, osos además de que el hecho de que tanto su tecnología como su aspecto sean mucho más primitivos que en otras producciones.
Una película que gustará a todo el mundo seas fan o no de la saga pero que te hará disfrutar descubriendo todos esos guiños que sólo los más frikis pueden observar. Muy recomendable.
Algo decepcionado con esta última (hasta el momento) entrega de una saga que empieza a dar claras señales de Residentevilización por esa absurda pero lucrativa costumbre de producir y producir secuelas intrascendentes que juegan con la nostalgia de aquellos chiquilletes y no tan chiquilletes que allá por los noventa vimos Parque Jurásico y nos quedamos picuets.
El principal motivo por el que tenía interés en ver esta pinícula era el de saber al fin el destino de uno de los personajes más carismáticos y desaprovechados de la historia. Aquel niño pre adolescente con ligero sobrepeso, intelectualoide y algo repipi que afirmaba que sin ambajes ante un incrédulo Alan Grant que al él no le daban miedo los velociraptores porque le parecían pavos de dos metros. La historia apócrifa cuenta que años después el chaval puso una empresa de colocación de radiadores en hoteles de la Manga del mar menor rechazando ofertas para ir a supervivientes perdidos en Honduras y protagonizar Daredevil, papel que al fin fue para Ben Affleck. Diré que mi decepción se basa, sobre todo, en el hecho de que este personaje no aparezca en esta historia y por lo tanto su arco vital quede en el limbo aunque sí sale, al fin, un dinosaurio que parece un pavo de dos metros.
Mi desengaño para con la pinícula se basa básicamente en lo anterior sin tener en cuenta su excesiva duración, las absurdas y cargantes subtramas capitalistas-ecológicas y de chlones tanto humanos como de dinosaurios, los descarados y trillados guiños para nostálgicos arrancados de la genial primera parte o «los cierres de arcos» de los personajes de la primera entrega los cuales todos imaginábamos que serían así y por lo tanto resultan innecesarios o ese inefable y envolvente movimiento de pinza del mariscal de campo Zhukov para reunir en un punto determinado las tramas de los personajes Old con las de los New desembocando en un final previsible (porque es el mismo que en Parque Jurásico) y más bien Disney.
Un producto hecho para vender, que vende y nada más. Si hubiera salido el six foot turkey boy hubiera molado más.
Dicen que la gente pequeña charla acerca de la gente, la gente común habla de las cosas, y las grandes personas hablan de ideas. Lo mismo puede decirse de las películas. “Doce Hombres sin piedad” es una de estas últimas. Ambientada en EE.UU en los años 50, en plena «caza de brujas», un período histórico ominoso para los estadounidenses en el cuál la paranoia anticomunista llegó a extremos casi esperpénticos lo que la hace una película con cierto trasfondo e incluso con «recado» sobre la integridad de los valores frente al fanatismo más acérrimo por medio de una sencillas palabras ·»duda razonable», tiene lugar durante la deliberación en un juicio por homicidio en primer grado.
Argumento:
Transcurre en la sala de deliberación, exceptuando el prólogo, en la sala del juicio y el final, a la salida de los juzgados. Un grupo de 12 hombres que conforman un jurado popular se retiran a reflexionar sobre lo que parece un sencillo y claro caso de asesinato que no parece que les vaya a llevar mucho tiempo. Deberán decidir acerca de la culpabilidad o la inocencia de un joven de dieciocho años y de origen marginal que presuntamente había asesinado a su padre con una navaja tras una fuerte discusión. Todas las pruebas presentadas en el juicio parecen indicar su culpabilidad. Un vecino anciano que vivía en el piso de abajo afirmó haber visto salir al muchacho corriendo por las escaleras justo después de escucharlo gritar a su padre “Te mataré”. Otra vecina que vivía al otro lado de la calle afirmó haber visto a través de las dos últimas ventanas del tren elevado que pasaba enfrente del piso del joven cómo éste asestaba al padre el golpe fatal. Los policías que lo interrogaron tras volver a casa horas después afirmaron que el chico estaba muy alterado y que no recordaba qué película había visto ni qué actores trabajaban en ella así como que en algún momento de la noche había perdido o se le había sustraído la navaja con la que supuestamente asesinó a su padre.
Cada uno de los miembros del jurado muestra un rol en el grupo y un determinado perfil para la negociación, que irá cambiando a lo largo del tiempo conforme se analice en profundidad las pruebas del juicio. Se dirigen a ellos por su número de miembro del jurado, o bien por su profesión despersonalizándose, podríamos destacar a un miembro que resulta ser débil e influenciable, dos que son implacables y seguros de sí mismos aunque uno resulta mucho más razonable que el otro; otro que le resulta indiferente y no para de bromear porque quiere marcharse cuanto antes a ver un partido de béisbol; otro que tiene prejuicios personales contra las personas de origen humilde y marginal; otro que realiza un papel conciliador y uno que presenta argumentos que rebaten todas las pruebas clave anteriormente citadas y que va consiguiendo hacer cambiar de opinión al resto de miembros del jurado durante las sucesivas cinco votaciones.
Otro elemento a tener en cuenta en el argumento es la influencia del factor ambiental que actúa como un personaje más ya sea el bochornoso calor inicial que produce irritabilidad e impaciencia, y la tormenta posterior que aumenta la sensación de encierro al cerrar todas las ventanas y marca el punto de inflexión en el que todos los miembros del jurado alcanzan el mismo veredicto.
Su fotografía se caracteriza por esos primeros planos de los protagonistas mostrando su estado de tensión.
Existe también una estupenda versión española del Estudio 1, en esta ocasión dirigida por Gustavo Pérez Puig, y también con un reparto espléndido: Jesús Puente, Pedro Osinaga, José Bódalo, Luis Prendes, Manuel Alexandre, Antonio Casal, Sancho Gracia, José María Rodero, Carlos Lemos, Ismael Merlo, Fernando Delgado y Rafael Alonso.
Personajes:
Jurado nº1, “El presidente”. Hombre de entre 30 y 40 años, asistente del entrenador del fútbol americano de instituto. Una persona de perfil razonable, cooperativo, transigente y conciliador. Juega el papel de moderador entre los presentes y muestra cierto grado de neutralidad, en el sentido de no influir sobre la votación del resto. De igual forma, está abierto a escuchar sugerencias a favor de un debate más democrático.
Jurado nº2, “El banquero pusilánime”. Hombre de entre 25 y 35 años débil y sin convicción. Su criterio es titubeante, bajo la influencia de otros miembros más fuertes. Sin embargo, el análisis del caso hará reflexionar y a aceptar el hecho de tener una duda razonable.
Jurado nº3, “El implacable”. Hombre de entre 40 y 50 años propietario de una empresa de mensajería. Es el jurado más agresivo y seguro de sí mismo. Los sentimientos negativos de odio y rencor fruto de sus frustraciones personales ejercerán una gran influencia sobre su toma de decisiónes. Ello provoca que el jurado Nº 3 acepte ciegamente las pruebas desde un enfoque pasional y no racional, hasta el extremo de intentar agredir a otros miembros del jurado tanto física como psicológicamente.
Jurado Nº4, “El corredor de bolsa”. Entre los 30 y 40 años. Otro de los miembros más implacables del grupo, presenta un perfil similar al del jurado Nº 3 aunque más razonable. Su frialdad y falta de empatía se evidencian ya que es el único al que no parece afectarle el sofocante calor de la sala ya que no se saca la chaqueta, ni suda y casi siempre permanece sentado en su sitio. Sus intervenciones son razonadas basándose en las pruebas dadas y por ello es escuchado y respetado por el resto de miembros del jurado. La principal diferencia con el jurado Nº3 es que pese a que permanece decidido a emitir un veredicto culpable durante la mayor parte del proceso, cuando le exponen un argumento lo suficientemente contundente como para provocarle una duda razonable no tiene inconveniente en cambiar su voto y aceptar que estaba equivocado.
Jurado Nº5. “el que se abstiene” Hombre de entre 30 y 40 años de origen marginal que se siente identificado en cierta forma con el acusado. Es seguidor de un equipo de béisbol por lo que es motivo de mofa por parte del jurado Nº 7. Ofrece una explicación a cómo debió de ser apuñalado el padre del chico si de verdad lo hubiese hecho el hijo ya que al haber visto muchas peleas de navajas en su barrio sabe cómo atacaría alguien que estuviera acostumbrado a manejar armas blancas, cosa que convence a más miembros del jurado en la quinta votación. Un individuo pobre de espíritu, triste.
Jurado nº6, “El pintor”. Hombre de entre 35 y 40 años. Comienza convencido sobre la culpabilidad del acusado pero acaba cambiando su voto en la cuarta votación. Tiene algún enfrentamiento con el jurado nº 3 al que amenaza con agredirlo por dirigirse al jurado anciano de forma irrespetuosa.
Jurado nº7, “ Fanfarrón”. Hombre de entre 35 y 40 años. Muestra total indiferencia por el resultado de la deliberación y tan sólo le interesa acabar pronto para irse a un partido de béisbol. Suele bromear con comentarios de mal gusto y molestar a algunos miembros del jurado con su actitud. Parece ser uno de los que más acusa el calor de la sala llegando a ausentarse sin permiso para refrescarse en el lavabo. Recibe la reprimenda de otro miembro del jurado por su falta de interés y convicción en una de las últimas votaciones. Su veredicto es superficial, sin reflexión, deja que los otros decidan votando lo mismo que la mayoría.
Jurado nº8. Hombre de unos 50 años. Arquitecto. Se muestra disconforme con la culpabilidad del acusado desde el principio y sin pretender llamar la atención o influenciar de algún modo en el resto de miembros del jurado comienza a exponer votación tras votación una serie de argumentaciones que desmontan en parte las pruebas en un principio “irrefutables” acerca de la culpabilidad del chico haciendo que las duda razonable sea posible y que muchos de los miembros del jurado cambien su voto. Es el que más responsabilidad demuestra con la decisión que conlleva su nombramiento como jurado y no duda en llamar la atención a otros compañeros por su actitud relajada, sus bromas o su inflexibilidad.
Jurado nº9.- Anciano de entre 70 y 80 años, a pesar de parecer el miembro menos válido del jurado presenta unas capacidades de observación muy aguzadas advirtiendo detalles en los testigos principales que otros miembros del jurado dejaron pasar inadvertidos. La cojera del vecino anciano o las marcas en la nariz de la testigo ocular por ejemplo que hacen que el corredor de bolsa cambie su voto.
Jurado nº10 “el prejuicioso”. Hombre de unos 60 años que muestra una actitud hostil acerca del acusado por el mero hecho de ser de origen marginal. Actúa como lo haría un ignorante atacando de forma infundada aquello que teme o que no entiende afirmando que todos los de la clase de acusado son gentuza y que está en su naturaleza mentir, robar y asesinar. Su voluntad de votar por la culpabilidad del chico permanece inquebrantable hasta que en la última votación se descubre con sus absurdos argumentos y el resto del jurado le da la espalda como mostrando su desprecio y su validez.
Jurado nº11 “el relojero”. Hombre de unos 45 años. Meticuloso y consciente de su responsabilidad lo demuestra tomando notas de los testimonios de los miembros del jurado; haciendo propuestas en base a ello para ser debatidas y mostrándose conciliador cuando se produce una pelea.
Jurado nº12, “ El publicista”. Hombre de unos 35 años. Similar al perfil del “vendedor” aunque muestra algo más de interés y respeto. Se muestra indeciso e influenciable llegando a cambiar en algún momento su opinión con respecto al voto por presiones del jurado Nº3.
Todos ellos tendrán que enfrentarse a su prejuicios, sus interese y situaciones personales así como la presión de la sociedad y la influencia de otros miembros del jurado; dejando de lado sus apariencias y profesiones conformando un microcosmos social que les llevará mediante la reflexión y el diálogo a considerar la presunción de inocencia y el empleo de la duda razonable como herramientas de la razón para comprender la verdad.
«We train young men to drop fire on people but their commanders won´t allow them to write «fuck» on their aeoplanes because it´s obscene».
«Entrenamos jóvenes para matar a la gente, pero sus jefes no les dejan escribir «joder»» en los aviones porque… es obsceno». Coronel W. Kurtz, Apocalypse Now
No estoy de acuerdo con que esta pinícula sea una obra maestra y con las loas desmesuradas que leo en cada crítica o reseña sobre la misma. Su espectacularidad en las escenas de acción compensa la mediocridad de un guión que bebe directamente de escenas, si no exactas, muy parecidas a las ya vistas en la primera parte con el único objetivo de provocar ese: ”OHHH!” de los nostálgicos pollaviejas. Es una película spielbergiana en el sentido que le da al espectador exactamente lo que quiere, cuando lo quiere y cómo lo quiere. Esto es cortita y al pie, machacadito que a la peña no le mola pensar (No se ponga usted Villeneuve o Nolan que la peña se mosquea porque no le mola que le muestren lo tonta que es).
El personaje de Cruise no parece haber sufrido una evolución natural en estos treinta años como afirma, con razón, el personaje de Ed Harris, sino que sigue siendo ese canallita ahora sesentón que pasa de jugar el papel de “rogue” al de “maestro redentor” resultando en ocasiones un tanto forzado (Tío que ya no tienes treinta tacos y sigues yendo a hacer botellón)
El personaje de Connelly se lo sacan de la manga en sustitución del de McGillis (demasiado mayor ya para el papel según parece) resultando una suerte de mujer florero empoderada cuyo único fin parece ser el de correr un tupido velo sobre la sombra homoerótica y bi que pesaba sobre el personaje de Cruise. Ríete tú de los romances que salían en Pearl Harbor. La peli me recordó mucho a La guerra de las Galaxias tanto en determinadas escenas como en la relación entre los personajes de Cruise y Teller.
«Utiliza la fuerza Luke»
El villano pasa de ser la pérfida Unión Soviética a una suerte de Rusia actual (lo que pasa es que no van a decirlo así gratuítamente) de forma que tanto los pilotos enemigos a los que no se les ve la carusa en ningún momento como el escudito del país al que representan queda bastante impersonal.
El resto de personajillos que salen en el film, una especie de Iceman de pufo, una chica piloto y un afroamericano (para que no se diga que la peli no es machista ni racista) todos con sus respectivos motes con nombres de feroces y aterradores animales grabados a fuego en sus cascos personalizados «Pimp my helmet» como: koala, kakapú, Yorkshire o Bob cumplen su papel de acompañar a Maverick y al hijo de Goose en sus aventurillas a lo Obi-Wan/Luke y el ataque de los cazas X-Win a la Estrella de la muerte.
Lo mejor de la peli es cuando un Iceman moribundo (Val Kilmer sigue derrochando carisma a pesar de su enfermedad) le pregunta a Maverick con todos sus huevos toreros quién de los dos es mejor piloto (faltándole añadir: “Sabes que soy yo cabrón y bésame”) mientras que un Maverick un tanto turbado (porque Iceman le sigue haciendo tilín) le contesta: “No estropeémos el momento”.
Homoerotismo deLuxe
Es una peli pare ver en el cine, disfrutando de su espectacularidad y el entretenimiento que ofrece, que es del bueno por cierto, pero nada más.
Bruxismo nocturno 