Para las “joyitas” a las que nos tiene acostumbrados Netflix, lo cierto es que esta se salva de la media aunque como diría Sick Boy: “está bien pero tampoco está de puta madre!.
En la ciudad polaca de Breslavia comienzan a suceder una serie de horrendos crímenes siempre a las seis de la tarde asociados con una costumbre del siglo XVIII de ajusticiar a a los ciudadanos más corruptos, depravados, ladrones, etc para dar ejemplo y así “limpiar” la sociedad y empezar una nueva época de esplendor.
Teniendo en cuenta que que es una película cuyo argumento bebe directamente de la ya clásica Seven, no puede negarse que presenta ciertos toques singularizantes y divergentes como son un personaje principal protagonista femenino tremendamente carismático; un toque gore explícito que la hace no muy apta para estómagos sensibles y un ritmo “in crescendo” que no decae en ningún momento.
Presenta una serie de puntos débiles en el guión que ponen en peligro el conjunto de la película. Una serie de cabriolas argumentales metidas casi a la fuerza para dar pie a las puntos de giro principales y que sólo se le habrían ocurrido a los guionistas más vag@s, no obstante, el resultado global es bastante bueno siempre y cuando no te pares a analizar mucho el guión.
Muy recomendable para pasar un rato entretenido con una historia que podría decirse que es una “seven a la eslava”, directa a vena.
La religión también es un tema a tratar en la película. El título viene de la traducción del Salmo 90- 3 del Antiguo Testamento que viene a decir algo parecido a: “Conduces al hombre a la destrucción y dices: «Volved, hijos de los hombres»”. Se expone que un Dios capaz de dar y quitar una cualidad como la de engendrar descendencia es inexistente, con lo que se desencadenan todos los problemas que se observan en la película y en los suicidios en masa porque que las personas no temen ser juzgadas. ya que si no existe Dios, no le debemos cuentas a nadie.
La relación de Theo-Kee-niña con la sagrada familia del cristianismo es evidente, siendo Theo quien se encargue de velar por su seguridad para que la esperanza vuelva a los hombres como José, el cuál es alertado por un ángel de la amenaza que acecha con Herodes y a quien se le encomienda que ponga a salvo a María y su hijo. Aunque Kee no es una virgen bromea con Theo cuando le contesta sobre quién es el padre. Theo significa Dios en griego y las palabras “Shantih, shantih, shantih” proviene de un libro sagrado hinduísta y significa “La Paz que sobrepasa todo entendimiento” también es el último verso de un poema de T.S. Eliot llamado “the Wasteland” que trata sobre la infertilidad en el mundo posterior a la guerra.
La música resulta casi como un personaje más de la película guiando al espectador y dando pistas sobre lo que va a suceder, es una lástima que esto no lo podamos percibir los que no somos angloparlantes ya que no podemos entender lo que dicen las letras de las canciones en el momento en el que suenan para entender su significado en la película.
“Hush” de Deep Purple que suena antes de la primera aparición de Julian dice: “Hush, hush I thought I heard her calling my name now Hush, hush She broke my heart but I love her just the same now Hush, hush. Thought I heard her calling my name now hush, hush I need her loving and I’m not to blame now”; Ruby Tuesday versionada por Franco Battiato para la esposa de Jasper (Michael Caine) “There’s no time to lose, I heard her say. Catch your dreams before they slip away. Dying all the time. Lose your dreams. And you will lose your mind. Ain’t life unkind? Goodbye, Ruby Tuesday.“.
“Kindertotenlieder” de Gustav Mähler, que traduce” Canción a los niños muertos” cuando Jasper cuenta la historia de Dylan, el hijo de Theo y Julian que murió por un brote de gripe; la carismática “The Court of the Crimson King” para el aristócratico adalid de la cultura interpretado por Danny Huston; en el campo de refugiados se puede escuchar la canción “Arbeit Macht Frei” de The Libertines, es la frase que se encontraba escrita en la entrada de Auschwitz, el más grande de los campos de exterminio nazi y significa “El trabajo os libera” y al final de la película se escucha “Bring on the Lucie”, de John Lennon, que podemos relacionar con el problema de la inmigración: “We don’t care what flag you’re waving.We don’t even want to know your name. We don’t care where you’re from or where you’re going. All we know is that you came. (…) Free the people now.”
Aparecen muchos cuadros, murales y grafitis simbólicos a lo largo de toda la película:
El David de Miguel Ángel aparece también con la pierna izquierda destrozada, una especie de metáfora de Theo como un hombre ordinario que está a punto de convertirse en un héroe extraordinario gracias a su determinación y también como una especie de autorretrato del protagonista ya que el parecido físico con Theo es evidente, complexión atlética y gran altura, pelo rizo, mirada desafiante y Theo también acaba con la pierna izquierda maltrecha.
El Guernika, cuadro pintado por Picasso en 1937 para denunciar el atroz ataque de la aviación alemana sobre el pueblo homónimo con el único fin de probar el armamento y ensayar ese tipo de maniobras sobre la población civil en futuras contiendas. determinan el extremado carácter trágico de la escena, que se iba a convertir en el emblema de los desgarradores conflictos de la sociedad de nuestros días.
Interesante película francesa sobre todo por su planteamiento y su desarrollo pero con un ritmo tal vez demasiado pausado para atraer la atención de la audiencia. Una magnífica historia de amor que trasciende el tiempo y el espacio adelantándose al romanticismo en la Francia del finales del siglo XVIII. Es una película con trampa porque el principio se nos presenta con un ritmo excesivamente lento tanto la historia como los personajes de forma que nos puede hacer perder la concentración. Esto unido a una gran cantidad, casi un abuso de planos estáticos que recrean de alguna forma la profesión de una de las protagonistas, pintora y retratista hacen que pierdas interés e incluso quieres abandonar su visionado.
En ese mismo momento la historia se desata mostrándose en todo su esplendor y atrapándote hasta el punto que te alegras de no haber dejado de verla. Detalles como el propio retrato que da nombre a la película el tercer movimiento del verano de Vivaldi junto con la historia de Orfeo y Eurídice resultan sumamente importantes y son utilizados con gran inteligencia en la trama aunque el hecho de haber perdido interés al principio de la película puede hacer que te los pierdas así como su importancia en la trama. Destaca sobre todo la hermosa fotografía y el final que es muy bueno. una película llena de sutilezas que te obligan a pensar y a hacer un esfuerzo si quieres disfrutar de ella y que requiere un segundo o incluso un tercer visionado para l@s más valientes. El mensaje que nos deja, parafraseando al fénix de los ingenios es sencillo: “Esto es amor, quien lo probó, lo sabe”
La película no acaba con la muerte de Christine como cabría esperar si no que continúa con la escena de cierre en la que tras ver como los principales canales nacionales daban la noticia reduciéndola prácticamente al titular final, vemos cómo Jean, el personaje que más amistad y cercanía tenía con Christine fuera de su entorno familiar, prepara un discurso para el funeral haciendo una pequeña biografía y buscando unas imágenes de archivo de Christine en la que volvemos a verla como al principio de la película encuadrada en la pantalla, en color sepia, como un recuerdo, entrevistando y haciendo los reportajes que a ella le gustaban rindiéndole así homenaje.
Luego vemos a Jean llegar a su casa y comer helado mientras escucha y canta la cancion de Mary Tyler Show “love is all around” para combatir la enorme tristeza que siente y se escucha al presidente Ford hablar sobre porqué concede el perdón presidencial a Nixon en la tele, (esto fue ya en septiembre) alegando que el hecho de haber dimitido ya es castigo suficiente y que el país tiene que enfrentarse a otros problemas, es decir es como si el mensaje final de la historta fuera: no hagais leña del árbol caído, no reduzcais su vida a su último acto, intentad ser objetiv@s y tratad de conocer el “Cómo” para llegar a intentar entender sin justificar el “por qué”, la vida sigue.
1st) Screenwriter Craig Shilowiz, who suffered prolonged depressive episodes in his youth, knew the story of Christine Chubbuck when he rode a list of “rare deaths” on Wikipedia while he was documenting to write another script and began to take an interest on Christine because he founded many elements with he felt identified.
That same year, 2007, a documentary series called “Boulevard of broken dreams” was made one of them dedicated to Christine Chubbuck telling her story as well as testimonies from people who knew and worked with her including her brother Greg, which was the first time he had spoken in public about Christine since the event. Craig contacted the producer of the program and they gave him all the documentation they had gathered based on what he himself began to gather more documentation and interview people who knew her for two years.
He tried, based on his own experience, to write the story from the perspective of a woman with these depressive disorders, who works as a journalist and TV anchorwoman in the mid-seventies. The objective was to humanize the character and not only reduce it to the headline we all know trying to explain how to understand why without ever entering into subjectivity.
2nd) Rebecca Hall, did not know the story of Christine Chubbuck and although at first she was not very encouraged to participate in the project because she was somehow shocked by the summary of the content of the script that her agent passed her, she ended accepting and prepared for three months the character, watching movies of the seventies; studying the time and reading many books of mental disorders and suicide but she decided that she would not talk to anyone who had met Christine and she would only based the charater on the work that Craig Shilowiz had performed. She only had a 15-minute video in which Christine Chubbuck conducted an interview on his morning program Suncoast Digest. That same video is the one that is later represented in the film when Christine conducts the hospital zoning interview and decides to include another video at the last moment to better illustrate the news.
3rd) It was ranked as the fourth best film in the “biopic” genre of the last decade.
4th) Many of the pictures that appear in Christine’s room are actually pictures of Christine Chubbuck in her childhood and teenage.
6th) The last song heard in the film, “The Mary Tyler Show” theme it´s sung by Jeane while she is eating ice cream and is a song that Christine Chubbuck said she heard when she was sad. This program was broadcasted from 1970 to 1977 and it was about a single 30-year-old woman who changes her citiy for a disappointment and she ends up working on a TV station and the story presented to us in Christine is like Mary Tyler story would have gone all wrong.
7th) The character of Mike Nelson (Tracy Letts) is based much more on the relationship that Christine had with Bob Nelson, the owner of the station that in the movie is a rather secondary character whose sole purpose seems to be to ignore Christine and give her the “coup de grâce”, which she couldn’t stand because he was really the one who wanted to raise the audience with the morbid.
8th) Mike Simmons, in real life, the news director, was even a couple of years younger than her and did have a strong discussion with Christine three days before she died because he withdrew one of his stories for another from a shooting. During another discussion, with him, Christine raged for some artificial flowers that Mike had put on the set the previous week, she throwing them through the air and shouting: “I won’t have these damned things in my studio.”
9º) The character of Jean Reed (María Dizzia) is a mixture between Jean Reed herself, Andrea Kirby, who was Christine´s best friend or the closest person in her work environment and who in the film is a practically irrelevant character and other colleagues such as true weatherman, Steve Newman, who was something like an intern, was only 19 years old and Gordon Galbraith, a station technician who was responsible for that last video of the shooting was stuck and witnessed the facts from the control room as seen in the movie with the character of Steve Turner, the weatherman
10º) Despite her daughter’s problems, Peg Chubbuck decided not to say anything about Christine´s situation on the station for fear she was fired. Christine Chubbuck had attempted suicide in 1970 through an overdose of pills and had been suffering from depressive problems since teenage.
11º) After shoot herself, many of Christine’s partners thought it was a heavy and macabre joke, as shown in the movie.
12º) Actually, for Christine Chubbuck, the fact of being a virgin about to turn thirty did not seem to be a cause for shame, in fact she used to say it without any hesitation and even one time, while they´re doing a joke informative, something like an essay, she presented herself as “Pristine Buttocks” saying something like: “Good morning, this is” Pristine Buttocks “and this are the news”.
13º) It is true that Christine Chubbuck had gynecological problems in fact her right ovary was removed, but it was in the summer before her death. The doctors told her that if she didn’t get pregnant in the next couple of years, he probably wouldn’t be able to be a mother.
14º) Christine Chubbuck was volunteering at the Sarasota Memorial Hospital representing puppet shows for children with functional diversity.
15º) Christine Chubbuck’s relationship with George Peter Ryan, he was actually called “Georgeus George”, was not exactly as the movie shows. Although they had been working together for almost a year at the beginning they did not like each other. George had quite a few personal problems saying that Christine was unattractive, very professional and competitive, that she did her job very well the same as or better than a man and that she found her “like a pain in the ass” and Christine even seemed to hate him but then George started to practice “T. A” and improved, he even wanted Christine to try it but she was reluctant. The last six months in which they worked together began to “stand” and have some friendship. Christine Chubbuck fell in love with George Peter Ryan and confessed to her best friend Andrea Kirby that he was the right man to have a relationship and solve her problems. Christine Chubbuck made a cake for him on George’s 30th birthday, at the end of June, and hinted him that she wanted to have a relationship but he rejected her. Shortly after Christine discovered that George and Andrea were having an affair and that Andrea would leave for work in Baltimore in a short time leaving her without her main support.
16º) Actually Christine Chubbuck had two serious romantic relationships throughout her life. The first one, when she was 16 years old and her boyfriend 23 ended tragically when he died in a traffic accident and the second one, when Christine was 21 years old ended because her father objected since Christine’s partner was older than her and also Jewish.
17º ) Three weeks before her death, Christine asked permission at the station to make a report about suicide, when they gave green lightl she went to the police station and asked about the methods of suicide. The officer who attended her told Christine that he would use a 38-caliber revolver with “Wadcutter” bullets (hollow-tipped) that exploded at contact disintegrating inside the body causing a lot of internal damage and he won´t shoot in the temple but in the skull base to make sure it would succeed.
18º) In the middle of the story, Christine is home alone watching a 1962 movie titled “Carnival of Souls” in which a woman, a professional organist, after suffering a traumatic experience of a traffic accident and being the only survivor, moves to another city to start over but she begins to inexplicably become obsessed with the ruins of an abandoned amusement park in the town and be harassed by what she looks like ghosts as well as hallucinations in which no one hears her, even as if she did not exist, with which the woman begins to have strange and hysterical behaviors becoming fired from her job and rejected by her surroundings. It may be coincidence but the plot of this film coincides quite with the story of Christine.
19º) In 1976 the movie “Network” directed by Sydney Lumet and starring Faye Dunaway and Peter Finch (who won the Oscars, in the case of the posthumous actor) was directly or indirectly inspired by the story of Christine Chubbuck and it digs into the fact of prostituting journalism by turning it into a product to earn money and incidentally manipulate the masses through television.
20º) The same year of the premiere of Christine, 2016, another film was presented on the same theme entitled “Kate plays Christine” in which actress Kate Lyn Sheil tries to document herself to play Christine Chubbuck in an alleged film about her visiting authentic places in Those who Christine worked, lived, talking with people who knew her without understanding her motivations. The director of the film Robert Greene said in an interview that his film was about demonstrating the impossibility of making a film about Christine Chubbuck. (At least in documentary terms).
21º) The journalist Sally Quinn published in August 1974 the famous Christine Chubbuck´s article in which she exposes in a quite complete way the circumstances of her. It was titled: Christine Chubbuck. 29. Good looking. Educated A television personality. Dead. Live and in color.
22º) Tracy Letts, the actor who gives life to Mike Nelson brilliantly, is also a writer and in 2008 he won the Pullytzer Prize for “August: Osage County” from which he made a film of the same name in 2013, starring Meryl Streep, Julia Roberts and Ewan McGregor among others.
23º) In 2003, the writer Christopher Sorrentino published a short story about Christine Chubbuck entitled “Condition” in number 40 of the magazine “Conjunctions” in which he used Cooper’s color test as shown as the film.
Se trata de una película que sorprende, sobre todo por su refrescante planteamiento tratando la crucifixión y resurrección de Jesús desde el punto de vista romano en la persona de un tribuno( una especie de capitán o comandante militar) interpretado por un siempre talentoso y capaz Joseph Fiennes al que el propio Pilatos le encarga la supervisión de la ejecución de un sedicioso alborotador que se proclama mesias de los judíos, un tal Jesús de Nazareth interpretado con suficiencia y buena caracterización por Cliff Curtis . Una vez completada la misión que para el tribuno resulta degradante y habiendo observado ciertos sucesos inexplicables es llamado a la presencia de Pilatos para investigar la desaparición del cadáver del crucificado lo que le toca aún más la moral al pobre tribuno y del que se sospecha ha sido robado del sepulcro donde lo habían depositado para hacer creer al pueblo que había resucitado confirmando así la sospecha de que se trataba del mesías( según el profeta Isaías en el Antiguo Testamento).
¿No es ese Brian de Nazareth?
Se inicia así una suerte de labor detectivesca en la que el escéptico tribuno comienza a toparse a medida que profundiza en la investigación con más y más dudas acerca de si la versión del robo del cuerpo y no la de la resurrección sería la incorrecta empezando una suerte de deriva metafísica y aquí es donde la película flaquea un poco ya que el factor religioso en la figura de Jesús resucitado parece primar sobre el racional e histórico de forma que el personaje del tribuno hace finalmente “catacroquer” convenciéndose de que Jesús era ciertamente el mesías y que había resucitado por lo que decide abandonar su vida anterior convirtiéndose en una especie de eremita errante.
“me cago en mi vida”
Una película entretenida y como digo bien hecha para aquell@s que les gusten los thrillers detectivescos así como las películas de temática puramente religiosa.
La crucifixión, la peor y más cruel manera de morir que muchas civilizaciones y concretamente los romanos usaban para ajusticiar a personas normalmente de baja extracción social como esclavos fugados o contra aquellos que se rebelaban contra Roma. Lo que llamaban “mors agravata”.
A pesar de que los romanos la utilizaron durante cuatrocientos años no existen casi pruebas de como la llevaban a cabo y la referencia más común que tenemos sobre ella se encuentra en la iconografía cristiana con las representaciones de la crucifixión de Jesús. Una de las pocas pruebas que existen de este tipo de ejecución se encuentra en el museo de Israel y pertenece a un hombre llamado Yeohanán que fue crucificado en el siglo I d.c
En la crucifixión, la muerte se producía por asfixia debido a la posición de los brazos elevados de forma que cada vez que el condenado respiraba, la caja torácica no se expandía lo suficiente haciendo que la persona intentase apoyar el peso del cuerpo en brazos y piernas que eran atravesadas con clavos, en algunos casos, afectando al nervio mediano que se sitúa justo en el espacio de de Destot en la muñeca y el tibial en los pies o talones que atravesaba el clavo provocando un dolor insoportable con lo que cada vez que se inspiraba se sufría un dolor intensísimo y la persona debía dejar la inspiración, respirando cada vez menso oxígeno haciendo que el condenado se asfixiase lentamente en una angustiosa agonía que podía durar días dependiendo de la fortaleza física de la persona y de la gravedad del delito que había cometido.
Para acelerar el proceso se rompían las piernas de la persona impidiéndole así obtener esa pequeña brizna de aire y haciendo que muriese asfixiada con mayor rapidez.
Curiosamente los cristianos no adoptaron el símbolo de la cruz hasta el siglo V unos cien años después de que Roma dejara de utilizarla como método de ejecución.
